Animals, when they’ve been wounded, lick themselves where it hurts. Nonetheless, they also pick themselves up and keep going; wounded, but still alive.



Silvio Lisboa has got a lot of money and since last year a lover, the famous and well-known interior designer Claudia Riera. The man has also got an obsession: to meet up with her in secret in Room 1817 in the Hotel Princesa Sofia.


Silvio lives, to be precise near the hotel, a conventional life with Marcia, his wife, a neurotic pleasure seeker who only finds relief in drinks made from mate (a traditional South American drink made from the leaves of the coca plant) mixed with aspirin which Mariela, her Peruvian maid prepares for her. However their domestic calm is disturbed when a phone call announces the imminent visit of Claudia, who wants to write an article on the Lisboa’s home. Marcia goes mad getting the flat ready and leaves no detail out: the event is worthy of it.


The visit, however, ends in tragedy as Claudia finds out about Silvio’s sick obsession. The enraged interior decorator cancels the article in revenge and ends her clandestine affair. Marcia can’t bear it and becomes depressed. To get over her depression she has a face-lift and the married couple go to Cadaques, a village at the Costa Brava, for a few weeks. She needs to heal her scars from the operation and he his from his traumatic break-up.




Three or four summers ago I read, or more accurately, I devoured a marvellous collection of short stories; Pell d’Armadillo (“Armadillo Skin”, Editorial Proa, 1998). The name of the book’s author, Jordi Puntí, was unknown to me, but not the universe he wrote about. I discovered a terribly identifiable world, with an introspective viewpoint and a minutely detailed analysis of emotions. Puntí’s wields his pen like a surgeon’s knife, cutting cleanly through tissue that was familiar to me. Beyond their fashionable modernity his creatures hid truths, heartaches and faults which were more than recognisable. It was as if I already knew something of their lives, as if they were in some way connected with other characters in my previous films. At the same time I was surprised by the cosmopolitan nature of the author, even more so when I discovered that he, a graduate in Romance Philology, was a native of Manlleu, a town in what is known as “backwoods” Catalonia. A translator of contemporary authors, and a regular contributor to both press and radio, especially the El País newspaper, his work was also enjoyed by many others. He received the Serra d’Or Critics’ Prize for Pell d’Armadillo which was later translated into Spanish. In 2002, four years after having published this first collection of short stories, the work Animals Tristos (“Sad Animals”) appeared in Catalan, published by Empúries. This was another sophisticated work of human dissection; six stories, some of them with very communicable characters. A Spanish translation swiftly appeared as his reputation grew among connoisseurs. However the publication of this work curiously passed me by. I suppose that this was due to my character – I go through life in a somewhat random way, distanced from fashions – or perhaps it was simply because I was involved in other matters.


When, some time later, I read the stories in Animals Tristos (“Sad Animals”),something happened to me which was similar to what had occurred some years before on reading El perquè de tot plegat (“What it’s All About”) by Quim Monzó, an author who, in my view, shares close similarities in terms of viewpoint, identifying traits, and certain parallel worlds with those of Puntí. I was immediately seduced, firstly by his inventive capacity, but above all by the extraordinary complexity of those characters, profoundly scarred by the wounds of life and love, who all, in story after story, laid themselves bare to us without embarrassment. My attention was immediately drawn to Icones russes(“Russian Icons”) and Bombolles (“Bubbles”), two stories which make up a world explained from two opposing yet complimentary positions, where I sensed the basis for the framework with which to create a film. Further on, in part of another story, Gos que es llepa les ferides (“The dog that licks its own wounds”), I discovered some characters who would fit, and interact, well within the atmosphere and the moral the two stories I had already chosen. In addition, by playing with the title of the book and that of this last story, I came up with a first title for the film, Animals que es llepen les ferides (“Animals that lick their own wounds”), which would finally be transformed, in a session of rehearsals at the home of Jose Coronado with Aitana Sánchez Gijón, and at the suggestion of Cecila Rossetto, into Animals ferits (“Wounded Animals”).


Now, then, I had the stories. I began to construct the script in the passionate search to unify its narrative structure. Curiously, once I had finished my film I went back to several films, chosen at random, which had also been structured on a three-story basis. I am thinking particularly about two films dating from that far off, and much missed, time of great American cinema - “Letter to Three Wives” by Mankiewicz and “The Bad and the Beautiful” by Minnelli. Both work with narrative games based on the use of various elements, a voice off, a range of viewpoints, etc., which have always been very close to me, and which I have gone back to again in this film. My script has passed through various writing phases, from an initial structuring around inner monologues by the three male characters, to a redistribution of the inner time of each of the stories based on musical tempos. The aim is not only to suggest a narrative game, but also the emotional state of the characters, with an omnipresent voice off as a guide to unify the comprehension of the stories.


I have divided these tales of shared loneliness in our time, of people who are incapable of relating positively to those whom they love, of people who lick the wounds of love which they themselves are incapable of avoiding, regardless of their age, origin or social class, into three musical time sets: Allegro assai, Moderato tempo giusto and Andante affettuoso. The stories are then interwoven and rounded off in a Finale Rondo. I am conscious of the pleasure I derive from the use of diverse forms, from the narrative deconstruction, and from breaking on several occasions the traditional narrative structure. However I have always been concerned, more than anything else, with the simple fact that my stories can be easily understood. In Wounded Animals the proposal is tragicomedy, a genre which greatly appeals to me, where the game involves accompanying the spectator on a voyage which moves from laughter to sorrow – and due to the focal point derived from the music – where something as co-substantial as the affection which we all need can be recognised. This once again becomes the central theme, as in so many other of my films, be they comedies or dramas; I have returned to my need to demonstrate the desperation for communication and affection within our society which here, thanks to the stupendous stories of Puntí, I can generalise in diverse surroundings and origins, immersed in this multiethnic world which Western Europe is becoming.


Aesthetically the mise-en-images, the form the images take, has nothing in common with my previous film, Amor Idiota (“Idiot love”), where the camera never stopped following the anxiety and the grief of its main character. And as I have said many times, I always try to look for the plasticity and the narrative sense in the story itself, and this one I am telling with its choral nature, its internal tempos have lead me to explain it in a more serene, and if you will, a more classical way. In no way am I renouncing the risks I very often take. On the contrary, I am searching for my coherence in the fact that the work has a sense of its own and that this formalism, deliberately sought in the composition of the sequences, and in the Rafa Lluch’s photography, seems to me to be the most appropriate.


I have once again had the luck and the opportunity that some magnificent, exceptional actors accepted to be the personification of my creatures, without whose talented work the film would not be what it is. I had already enjoyed seeing José Coronado take on the role of the man on the digger in Anita no perd el tren (“Anita takes a Chance”), and so it has been a pleasure to count on his participation and rigour in the creation of this cynical yet sensitive bourgeois who succumbs to the charms of an aggressive executive played by a graceful Aitana Sánchez Gijón. Aitana creates and defends a complex and difficult role with authority, and with an exquisite nobility, she is capable of projecting and expressing radical changes with a single look. I do not know of any other actress more suited for my Claudia, and neither do I see Marcia, the woman for whom infidelity and abandonment is a fact of life, as anyone other than Cecilia Rossetto. This Argentinean actress, singer and cultural agitator is delightful in this tragicomic game, giving a performance that will captivate audiences of all kinds. The couple in the central story is formed by two actors who I have long admired: Marc Cartés (who is once again with me after Amor Idiota) and Cristina Plazas, who has just played the main character in Fuenteovejuna but who I discovered earlier, alongside Carles Alberola in the delicious Mandíbula afilada (“Sharpened Jaw”). Finally I would like to highlight the delicate work of the Mexican actress, now based here, Patricia Arredondo (also discovered in the National Theatre of Catalonia with Belbel’s Forasters (“Foreigners”) and the adaptation to parameters far removed from his habitual works, of Gerardo Zamora. Gerardo is an actor I discovered, thanks to Ricardo Ramón, in a casting in Lima. He is highly popular for his characters in soap operas in Peru, his home, and with his interpretation of Jorge Washington, the Quechua immigrant, he makes his debut in our cinema. Finally I was lucky in that Abel Folk, an actor with a long and recognised career, accepted the difficult challenge of being the narrator’s voice. With all of these actors I launched myself into the creation of this multi-lingual (rather than multicultural) puzzle which my film finally became, like a kind of mosaic representation of what is happening to us in the here and now. I hope that the spectator enjoys, as I do, the reflection of our everyday linguistic reality, the revelation of the far from traumatic coexistence of four languages: Catalan, Spanish, English and Quechua, which is, by the way, the fifth most-widely spoken language here.


I am also lucky enough to have worked for years now with a faithful and tight-knit team, without whom the rhythm of my work would not be understood. They are professionals and creators with long careers who have shared in my numerous adventures, and have become my indispensable accomplices. From among so many I would like to name Aintza Serra in production, Bel·lo Torras in decoration, Pere Abadal as film editor and, last but not least, the great Carles Cases who, including this one, has composed the music for eleven of my films.


Ventura Pons



Screenplay, Direction and Production



based on stories from



Director of Production












Art Director



Direct sound






Editing studio







with the participation of




distributed by FILMAX




Mar del Plata (Argentina)

Moscow (Russia)

Los Angeles, Chicago, New York (Lacinema Fe)

Napa Valey, Tijuana, Fort Lauderdale and Puerto Rico (USA)

Montpellier and Nantes (France)

Santo Domingo (Dominican Republic)

Bogotá (Colombia)

Lima (Perú)

Jerusalem and Haifa (Israel)

Espoo (Finland)

Splitz (Croatia)

Lisboa (Portugal)

Viña del Mar (Chile)

Luxembourg (Luxembourg)

Lisboa (Portugal)

Mexico D.F. (Mexico)



Great Jury’s Award (Lisboa Festival)

Nominations Barcelona Awards: Best Catalan Film.

Ventura Pons: Zinegoak Award 2005.









Tres relatos del libro Animals tristos, de Jordi Puntí, alimentan el último trabajo de Ventura Pons, a quien las películas episódicas (El perquè de tot plegat, Carícies) le salen siempre estupendas, sobre todo si se permite integrar parte de un sketch en otro, interrelacionarlos entre sí. De hecho, Animals ferits tiene el aspecto de una única historia, tal es su admirable estructura.


La primera trama concierne a las relaciones entre un hombre casado y su amante, que viven su ardor sexual más que su amor en puntuales citas en un hotel, siempre en la misma habitación. La segunda tiene por protagonistas a una pareja que pasa sus vacaciones en un camping de la Costa Brava. Y la tercera, a una mujer de la limpieza mexicana, que trabaja precisamente en el lujoso apartamento del marido adúltero y su esposa, y a un joven peruano recién llegado a Barcelona.


En todos los casos, a los personajes los vemos acompañados de otros personajes, cuando no por una marea humana que se dirige al Camp Nou o regresa de él. Pero, paradójicamente, se hace difícil concebir criaturas más solitarias, desamparadas e incomunicadas que las que componen este fresco contemporáneo.


Pons logra plasmar el latido de nuestra época y sus infecciones sentimentales. Lo hace, apoyado en un trabajo espléndido de sus actores, aunando con maestría los efectos cómicos y los patéticos. Y aunque le sobra el subrayado de la voz en off del narrador, sabe sacar un gran partido de los silencios en las escenas del camping, las mejores: los paseos por Cadaqués, las lecturas junto a la caravana de ella, la indiferencia de su relación (necesitan un urgente, rosselliniano Viaggio in Italia) radiografían el paisaje emocional de hoy mismo.

Jordi Batlle

La Vanguardia


La más reciente de las películas de Ventura Pons, rodada el pasado verano –ya anda ultimando los preparativos de un nuevo proyecto, de vinculaciones valencianas–, adapta una obra de Jordi Puntí para proponer, desde la más tangible cotidianidad, una compleja reflexión moral a propósito de las consecuencias de la conducta amorosa. Un comportamiento sentimental que –sólo aparentemente, puesto que están muy vinculados entre sí– el cineasta divide en cuatro movimientos, asimilados a cadencias musicales, centrados respectivamente en quienes son principales protagonistas en esos momentos, y atentos a tres clases sociales bien distintas. Los ejecutivos de éxito, la clase media y los inmigrantes con trabajos más ocasionales se muestran como víctimas y cómplices de sus propios fracasos, aunque deslices sería probablemente una palabra más adecuada, coincidiendo igualmente en su condición de “animales que se lamen sus heridas”, todo ello enmarcado en una especie de inmersión entomológica reforzada por una valiosísima e irónica voz en off.


Pero no vayan a creer que, por esa tristeza casi innata a los personajes y a sus errores, Animals ferits es una obra tristona o dramática. Todo lo contrario: la comedia, en ocasiones sofisticada, a ratos decididamente gamberra, campa a sus anchas en cada detalle, en cada secuencia, asumiendo lo vodevilesco (en la medida que lo plantearía un seguidor de la nouvelle cuisine) o lo inequívocamente canalla, como ocurre con el personaje de la esposa de Silvio –incluida esa mezcla de argentina e italiana– o con el libro arrojado desde el automóvil.


En esa especie de evocación de La ronda, de Ophuls, por poner un ilustre ejemplo, que el propio Ventura Pons había solucionado magistralmente en una de sus mejores películas, Carícies, el cineasta no deja títere con cabeza, en cualquiera de los diferentes movimientos citados, sea con relación a los decorados, al vestuario, al sexo, a los sentimientos, al engaño, a la gastronomía, los escenarios –del lujoso apartamento al no menos lujoso hotel, del camping de Cadaqués al bar de barriada o al piso de aspecto cochambroso, hasta llegar al circo donde todos pueden encontrarse alguna vez, camuflado de Can Barça, con esa espléndida secuencia de las miradas en el descanso del partido– y un sinfín de detalles que conforman una extraordinaria disección moral y filosófica a partir, exclusivamente, de materiales cotidianos. A los logros finales no resultan ajenos unos actores absolutamente entregados –Jose Coronado, Aitana Sánchez-Gijón, Cecilia Rossetto, Cristina Plazas, Patricia Arredondo, Marc Cartes, Gerardo Zamora–, una mimada música de Carles Cases, y la voz en off de Abel Folk. Una auténtica gozada

Antoni Llorens

Cartelera Turia


En algún momento de esta película plural, compuesta en cuatro movimientos, en la que se diseccionan, con la habitual ironía de Ventura Pons cuando aborda los sentimientos, las relaciones que entre sí establecen gentes de la Barcelona de hoy, se habla de que estamos ante “un vodevil de provincias”. Y en una primera, y muy superficial visión, tal parece ser: personajes a menudo patéticos (alguno incluso de más: el que encarna Cecilia Rossetto, sin ir más lejos), caprichosos, relacionados entre sí en una suerte de danza circular, que muestran sus deseos, pero también su inconstancia.


Pero eso es sólo en primera instancia. A medida que se pasa del allegro assai del primer episodio, liviano, pero no por eso menos dramático en su resolución, y el ritmo se hace más pausado; a medida que descendemos en la escala social, de la cúspide de la pirámido alto-burguesa del primer episodio a la base proletaria e inmigrante del tercero, la mirada del narrador se va haciendo más incisiva, hasta desembocar en un último movimiento, ese finale rondo que cierra todas las soluciones narrativas. Ahí, en la resolución, nos sitúa Ventura Pons ante la lectura más posible del filme: a pesar de mostrar sendas historias de gente que vive vidas de pareja, o de adulterio, estamos en un terreno no muy lejano al que suele tratar el último François Ozon, el de la imposibilidad de la felicidad, el del desconocimiento profundo del otro.


Cada uno de los personajes está condenado a ver sus deseos insatisfechos, a chocar contra la indiferencia o contra el azar esquivo. En eso, como en la medieval Ronda de la Muerte, no hay clases sociales: todos padecen lo mismo, todos se agarran a lo que pueden para sobrevivir. Como apreciará el espectador de Pons, es éste un eslabón más en la ya larga cadena de historias que el cineasta ha forjado sobre el amor y sus contemporáneos. No es la mejor, pero tampoco desmerece de logros como Actrius, como Amic/amat: con este Ventura en la madurez de su oficio siempre se juega en terreno seguro. Y sus espectadores, agradecidos.


Mirito Torreiro

El País


Hace ya más de una década que Ventura Pons nos viene regalando con una regularidad insólita una serie de películas que dibujan una relación fecunda con la literatura, muy alejada del concepto habitual de adaptación. En Animales heridos parte de un libro de cuentos de Jordi Puntí y, sin disimular este origen, compone un mosaico formado por tres historias independientes y un final con tutti quanti. Lo único que las une es un tema común -el desencuentro, la infidelidad, la soledad de la vida en pareja- y la omnipresente voz en off de un narrador (excelente Abel Folk) que va puntuando con sus comentarios el sentido de los acontecimientos y nos explica, más que los personajes, lo que éstos piensan y sienten. Así, la película elude una identificación directa con sus criaturas, a las que contemplamos siempre a través de la distancia que impone el comentario y la misma estructura del relato en mosaico.


Este funcionamiento -no son los actores solos quienes construyen sus personajes- impone una forma particular de actuar, menos marcada y «psicológica» de lo habitual. Pons vuelve a hacer gala de su proverbial talento para elegir repartos que también se apartan de lo habitual: aparte de los conocidos José Coronado y Aitana Sánchez Gijón (estupendo su monólogo de despedida a su amante), sobresale la exuberante Cecilia Rosetto (tanguista extraordinaire) y un elenco de actores jóvenes de rostros tan nuevos como el trabajo que se les pide hacer. Coloreada por la música de Carles Cases, la película ensaya un tono (Ventura lo llama minimalista) inédito en un cine como el nuestro, que oscila entre lo mortecino, lo intenso y lo gamberro, pero rara vez se atreve a hablar de cosas serias con la elegante ligereza de que hace gala Pons aquí.

Antonio Weinrichter



En el título del libro de relatos de Jordi Puntí, adaptado por Ventura Pons, los animales están tristes. En la película resultante, heridos. Ese matiz subraya el tono agrio, incluso desgarrador, que el cineasta catalán imprime a sus mejores títulos. Sea cual sea el autor literario que los sustente, sus protagonistas vuelven a ser aquí unos seres obsesivos, desorientados y que sólo sobreviven a costa de desprenderse de jirones de su pelaje en cada embestida que les da la vida.


También como en sus mejores films, Animales heridos regresa al rondó para hilvanar tres historias sólo aparentemente inconexas pero finalmente unidas por un común exorcismo de la soledad y por un fascinante juego de espejos entre la realidad y las apariencias. Lástima que, por desgracia, el tríptico arranque no con la menos interesante de las historias, sino con la más desenfocada de tono y de interpretación.


Las tribulaciones del ejecutivo barcelonés dividido entre una esposa de vodevil y una amante de diseño satisfará a los amantes de la comedia fácil, pero hay que esperar al segundo de los episodios, el de la pareja que necesita unas vacaciones en el camping para certificar que ya no tienen nada que decirse, para reencontrarse con ese cineasta que dispone de las proporciones exactas para mezclar la poesía con la mala leche. Elementos que reaparecen en la fascinante revisitación de los espacios de la burguesía catalana por inmigrantes latinoamericanos capaces de vibrar en el Camp Nou y, finalmente, cierran el círculo (que no el circo) con esos animales que, en la soledad, lamen sus heridas.

Esteve Riambau


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